mercredi 30 décembre 2015

« Star Wars, épisode VII : Le Réveil de la Force » (Star Wars Episode VII: The Force Awakens) de J. J. Abrams

    Je n'attendais pas grand chose de ce Star Wars là. A vrai dire, Star Wars est pour moi un souvenir de jeunesse, qui m'enthousiasmait à l'époque, mais plus tellement maintenant. J'ai vu plusieurs fois les épisodes 4, 5 et 6, mais il y a longtemps de cela. Plus récemment, j'avais vu les épisodes 1, 2 et 3 à leur sortie. Cela fait donc un moment tout de même. Dans mon souvenir, les épisodes 4, 5 et 6 faisaient la part belle à l'aventure et à l'humour, avec un scénario assez brillant je dois le dire, mais souffraient d'un visuel assez dépassé. Ce point a été plus ou moins corrigé avec les épisodes 1, 2 et 3, qui malgré une avalanche d'effets spéciaux un peu indigeste réussissaient à redonner un coup de jeune à la saga. Par contre, si le paquet a été mis sur le visuel pour ces 3 épisodes, ça s'est fait aux dépens du scénario. L'épisode 1 était intéressant (sans doute le meilleur des 3), le 2 était haletant quoique bancal, mais le 3 ne servait qu'à donner naissance à Dark Vador, et n'est plus ou moins qu'une coquille vide. Parlons maintenant des acteurs. Harrison Ford était très sympathique, en baroudeur galactique. Mark Hamill s'en sortait pas trop mal, et Carrie Fisher non plus. Et bien sûr, Dark Vador avait une présence très forte malgré (ou grâce à) son célèbre masque. Voilà pour les épisodes 4, 5 et 6. Hélas, le casting fut à moitié raté pour les épisodes 1, 2 et 3. Liam Neeson et Ewan McGregor étaient excellent. Mais Natalie Portman m'a déçu. Bien dans le 1, mais franchement pas terrible dans les épisodes 2 et 3. Et le pire : Anakin Skywalker adulescent dans les épisodes 2 et 3. Hayden Christensen avait le charisme d'une huître ou plutôt d'un Justin Bieber échevelé et mal peigné… Par conséquent, difficile pour lui de porter un rôle si important…

Bien. Une fois fait cet inventaire, attardons nous sur cet épisode 7. Le début commence bien. L'histoire de Finn est intéressante et originale : un héros qui se démarque des autres, bien vu. Celle de Rey est par contre déjà vue (ce qui va sonner comme un refrain) : la pauvresse perdue sur une planète désertique et abandonnée par ses parents… Tiens mais ça n'est pas déjà dans l'épisode 4 ? A ce moment là je commence à me dire que c'est louche. Et puis quoi, la Résistance (les gentils) est aux prises avec le Premier Ordre (les méchants)… Ça ne vous rappelle rien ? Et bien sûr les méchants ont construits une Etoile de la Mort bis… Ah non, on me dit dans l'oreillette qu'elle est plus grosse. Original n'est-ce pas ? Et que vont faire nos gentils ? Attendez je revisionne l'épisode 4 : ils vont tenter de la détruire, non ? Bien vu, tout pareil dans l'épisode 7… Alors faisons les comptes. Plus de 2h pour voir un film dont on connaît à l'avance ce qui va se passer, ne nous offrant pas grand chose de neuf sous la dent. C'est ça le nouveau Star Wars ? Et oui… Heureusement, le casting n'est pas trop mal. Je dis pas trop mal parce que les deux acteurs principaux, Daisy Ridley (Rey) et John Boyega (Finn) incarnent plutôt bien leur rôle, et malgré quelques réserves au moment de leur apparition, on finit par vouloir connaître la suite de leurs aventures. Pas trop mal, je souligne mal, parce que les deux méchants, Voldemort et son bras droit boutonneux ne sont pas crédibles et n'impressionnent pas… Difficile d'égaler Dark Vador et Palpatine, je le reconnais, mais là ils n'arrivent pas à leur cheville. Bref, heureusement qu'il y a un minimum d'humour pour faire passer la pilule !

Car ce qui ressort finalement, au sortir de ce film, c'est une impression de vide intersidéral. Certes le long métrage est plaisant et divertissant (on ne s'ennuie pas une seconde), mais il ne surprend pas non plus, il déroule sa trame en pilotage automatique, de sorte à ne plus ressembler qu'à un joujou purement visuel et sans grande saveur, bourré d'auto-références… Si bien que je trouve les épisodes 1, 2 et 3 nettement plus inventifs que ce tant attendu épisode 7… Deux fautifs pour moi. Premièrement J. J. Abrams, qui bien que je le connaisse peu, me semble avoir des références cinématographiques et artistiques superficielles (Lucas et Spielberg et on ne va pas chercher plus loin), et ne sait manifestement pas écrire un scénario de long métrage digne de ce nom, avec un minimum de densité et non des scènes d'actions sans grand intérêt à n'en plus finir. Et deuxièmement, surtout les studios Disney, qui avec une des licences les plus puissantes du monde cinématographique avaient les coudées franches pour oser, et qui ont préféré jouer les rentiers, se contentant d'un service minimum qui certes ne dénature pas fondamentalement l'univers Star Wars, mais qui ne satisfait même pas le non fan de la saga que je suis… C'est dire la qualité pour le moins relative de cet opus. Maintenant, il ne reste plus qu'à attendre la suite. Je le dis franchement, j'ai hâte de voir les 2 prochains épisodes. Et j'attendrai la fin de cette trilogie pour porter un jugement définitif : ou l'épisode 7 est un peu un brouillon qui inaugure de grands épisodes, ou il reflète la qualité de la trilogie à venir, et dans ce cas, ça risque d'être une cruelle déception… Sauf pour Disney, bien sûr, qui une fois de plus a réussi à mettre en place une machine à sous de rêve (cf. les nombreux articles dans la presse économique) pour compenser un déficit inquiétant de savoir-faire et de créativité…

[2/4]

lundi 28 décembre 2015

« Sous le soleil de minuit » de Juan Díaz Canales et Rubén Pellejero (2015)

    Non, je dis non. Pas comme ça. Faire renaître Corto Maltese n'était pas une mauvaise idée, mais c'est peu dire que l'attente était grande, car il ne s'agit pas de n'importe quelle série : ses sommets sont de grands moments de poésie et d'aventure, dignes de Conrad ou Stevenson, servis par un coup de crayon exceptionnel car très original. Et là, que nous offre-t-on ? Une bouillasse infâme, un mélange d'humour scolaire, de semblant d'aventure sans aucun souffle, le tout dessiné avec les pieds, même s'agissant de Corto... Il y a bien deux genres d'albums de reprise, ceux qui osent et qui font quasiment jeu égal avec les albums d'origine, pour notre bonheur à tous, et les pompes à fric, ceux qui sucent ce qu'il y avait de meilleur dans la série pour accoucher d'une souris. Clairement, « Sous le soleil de minuit » fait partie de la funeste seconde catégorie... Par où commencer ? Eh bien par les premières pages. Qu'est-ce que c'est que ces ellipses à répétition (et malvenues) ? Corto et Raspoutine discutent, ils sont en Arctique. Puis ils continuent à discuter, mais au Mexique où dans un autre endroit aussi chaud. Soit. Comment sont-ils arrivés là ? On ne sait pas. Puis l'histoire commence, et là une fois de plus rien à voir, autres lieux, autres personnages. A quoi servait l'introduction avec Raspoutine, que nous ne reverrons plus jamais durant l'album ? A rien, si ce n'est à servir de teaser menteur dans les pages du Figaro... Et tout l'album est de cet acabit. Les ellipses brutales s'enchaînent, le scénario est haché... à la hache, et surtout, l'histoire est très décevante. Où est l'aventure ? Où sont les personnages complexes et hauts en couleur ? Ici il n'y a que des frustrés qui deviennent méchants... à grands renforts d'explications sur comment ils sont devenus méchants, avec flash-back sur leur enfance... Sans que ça serve le moins du monde le propos. Les morts s’empilent, mais aucun souffle, rien, tout reste cruellement artificiel, cousu de fil blanc. Et que dire du dessin ? Le visage de Corto est réussi deux fois sur trois (et encore), certes, mais son corps ? Souvent de travers, esquissant un mouvement maladroit... Et les personnages secondaires, c'est-à-dire tous les autres personnages sauf Corto ? Ratés. Rien à voir avec le trait d'Hugo Pratt. Je veux bien avoir affaire à quelque chose de neuf comme avec Ted Benoît ou André Juillard pour Blake et Mortimer, mais là, c'est franchement moche... Et que dire des décors, à peu de choses près du foutage de gueule : on esquisse le bord des arbres et on griffonne un peu, et voilà, on ne se foule pas trop ! Vraiment, quelle déception que cet album annoncé à grands renforts de publicité tonitruante... Je ne retrouve pas du tout l'esprit de la série, juste des clichés et un semblant d'histoire bâclée, sans âme... Hélas, Corto Maltese est bien mort...

[1/4]

« Le Papyrus de César » de Didier Conrad et Jean-Yves Ferri (2015)

    2015. Des affiches fleurissent dans les gares et dans les villes : un nouvel Astérix et Obélix sort, intitulé « Le Papyrus de César ». Curieusement je trouve que l'humour de ces affiches fait mouche, ridiculisant César et son papyrus. Mais que raconte cette histoire ? Et que dit ce fameux papyrus ? L'envie d'en savoir plus se fait insistante. Maintenant que j'ai fini de lire cette bande dessinée, je peux dire qu'elle est à la hauteur de l'attente. Oh, rien d'extraordinaire, mais oui l'humour est toujours aussi bon que dans « Astérix chez les Pictes », si pas meilleur, et les auteurs prennent davantage de liberté, osent vraiment proposer quelque chose de neuf tout en restant dans le cadre créé par Goscinny et Uderzo. Pour moi c'est la marque des bons « albums de reprise », ces albums reprenant des personnages ultra connus après la mort ou la défection de leurs créateurs. Des albums qui savent créer quelque chose d'original, tout en gardant le charme de la série, sans dénaturer leur esprit, comme si l'album était publié par le ou les créateurs en personne. On dirait même que les auteurs ont pris du plaisir à le réaliser, un plaisir communicatif ! Conrad et Ferri continuent donc sur leur lancée, et nous offrent de nouveau un album qui égale, voire qui dépasse les tous meilleurs albums solo d'Uderzo. Et j'ose le dire, on est pas bien loin de Goscinny. Nombreux sont les moments où j'ai bien rit, et le trait de Conrad rend décidément un bien bel hommage aux personnages dessinés originellement par Uderzo. En outre, une fois de plus, on a le droit à une véritable histoire, qui part d'un trait d'humour très bien vu. Alors oui, quelques maladresses demeurent, pourtant elles me semblent bien rares, et il faut le dire, l'album est fluide aussi bien du point de vue du scénario et des gags que du dessin. Franchement, et je me répète, c'est bluffant. J'attends donc avec impatience la suite des aventures de nos chers gaulois et de notre duo à l’œuvre !

[3/4]

« Wild » de Jean-Marc Vallée (2015)

    Road-movie existentiel, « Wild » touche plus par l'aventure humaine qui se déroule à l'écran que par des paysages pourtant somptueux. En effet, il s'agit de l'histoire vraie de Cheryl Strayed (tirée de son roman éponyme) qui après une vie d'errance et d'addiction à la drogue décide de parcourir le Pacific Crest Trail, le long de la côte ouest américaine, sur plus de 4 200 km. Livrée à elle-même, seule et sans la moindre expérience de la randonnée, elle avance au début lentement et difficilement... Mais au gré des rencontres et des conseils donnés, elle finit par trouver son rythme, et surtout après des jours de franche solitude, elle parvient peu à peu à se pardonner et à se sentir apaisée. Quand on assiste à cette aventure, on prend toute la mesure de l'exploit réalisé par Cheryl... Mais plus encore, ce qui est émouvant, c'est la relation qui la lie à sa mère, une femme modeste mais rayonnante, une battante qui pense qu'il vaut mieux prendre la vie du bon côté quoiqu'il arrive. A ce titre, Laura Dern est vraiment excellente. Reese Witherspoon s'en sort plutôt bien quant à elle, elle parvient à nous faire croire qu'un petit bout de femme a réussi à parcourir une telle distance sur des chemins difficiles par la seule force de sa volonté. En effet, même des randonneurs (masculins) plus aguerris finiront par abandonner... Pas elle. Ce qui est touchant aussi, c'est que l'auteure de cette histoire, la vraie Cheryl Strayed, a été fortement associée au long métrage, si bien qu'elle et son mari y jouent le rôle de figurants, et que leur fille joue l'héroïne quand elle était plus jeune. Surtout, cela permet que le film garde une fraicheur et une sincérité qui font mouche : si l'héroïne ne paraît pas toujours sous son meilleur jour, l'exploit qu'elle a accomplit n'en devient que plus fort, d'autant plus quand on connaît son haut degré de non préparation... Bref, sans toucher à mon sens à la grâce et à la profondeur de « The Way », « Wild » est une réussite sur le thème si galvaudé des road-movies qui a fleuri ces dernières années.

[3/4]

dimanche 27 décembre 2015

« Astérix chez les Pictes » de Didier Conrad et Jean-Yves Ferri (2013)

    Les « grandes » séries de bande dessinée reprises par de nouveaux auteurs sont légions aujourd'hui. Et peu, très peu ont échappées au massacre... Alix, Blake et Mortimer, Corto Maltese et bien d'autres ne sont plus que l'ombre d'un âge d'or désormais révolu. Pire, leurs créateurs doivent se retourner dans leur tombe. Et Astérix ? Le cas de figure est différent. La série a sombré du vivant de son co-créateur, lorsque Albert Uderzo a décidé de reprendre seul les rênes, prenant la place du regretté et génial René Goscinny pour le scénario. Depuis lors se sont enchainés les pires albums de la série... Pour finir dans une apothéose de mauvais goût et de médiocrité insondable avec le désolant « Le ciel lui tombe sur la tête »... A vrai dire, plus personne (et moi encore moins) n'attendait quoique ce soit d'Astérix et Obélix. Quand j'ai ouvert « Astérix chez les Pictes », je m'attendais à feuilleter quelque chose de fade et de mauvais. Eh bien non. Dès la première vignette, on est en terrain connu : on retrouve nos gaulois bagarreurs et irascibles, ainsi que les jeux de mots à l'emporte pièce qui font le charme de la série. Le trait est bluffant : on croirait que tout a été dessiné par Uderzo... Bien sûr j'ai décelé quelques maladresses au niveau du dessin (le visage de Bonemine notamment), mais sur ce plan rien à redire. Quant au scénario, on retrouve la structure des albums de la grande époque : une vraie histoire qui sert de prétexte à des gags d'une récurrence métronomique. Certains sont vraiment très drôles ! Je ne pensais pas dire ça d'un album post-Goscinny... Par contre je regrette certains passages et personnages un peu mièvres (notamment certains personnages non humains, les lecteurs me comprendront), qui dénaturent un peu l'ensemble. Goscinny nous avait habitué à un humour plus subtil que cela ! Et les fameux noms de personnages / jeux de mots ont beau être bien vus, ils sont inintelligibles ou presque : il faut les lire 3 ou 4 fois de suite à haute voix pour tenter de comprendre le jeu de mot... Malgré ces quelques réserves, j'ai vraiment passé un bon moment en lisant cet album, et je pense qu'Uderzo a pris la meilleure décision de sa vie depuis 30 ans en décidant de passer la main au duo de repreneurs actuels. Pour moi, cet album égale aisément les meilleurs albums de l'ère Uderzo, à savoir « L'Odyssée d'Astérix » et « Le Grand Fossé ». Par contre, il leur faudra encore du travail pour égaler les meilleurs albums signés Goscinny au scénario. Mais s'ils continuent sur leur lancée, je ne désespère pas qu'un jour ils y arrivent.

[3/4]

jeudi 24 décembre 2015

« La part manquante » de Christian Bobin (1989)

    Christian Bobin est, formellement parlant, un écrivain français par excellence, du moins un écrivain français de notre temps. Comme Debussy ou Fauré dans le domaine de la musique, Bobin a bâti une œuvre pierre après pierre, touche de pinceau après touche de pinceau, une œuvre délicate et fragile, puissante parce que douce, belle, rayonnante, loin des gigantesques édifices parfois immortels, mais aussi parfois dangereusement lézardés, menaçant de s'écrouler sous leur poids. Ici tout n'est que légèreté. Oh bien sûr, on ressent une certaine tristesse, une certaine mélancolie dans sa poésie en prose. J'avoue la regretter. Mais comment ne pas s'émouvoir de sa plume, de son regard poétique ? Car véritablement, il a un regard, un cœur, une âme de poète. Pour qui l'a déjà entendu se faire interviewé, pas de doute possible. Hypersensible comme un Tarkovski dans le domaine du cinéma, parfois accablé par la noirceur de notre monde, il sait pourtant se faire le chantre de la beauté des hommes et des femmes, de notre Terre et de la nature. Et surtout, il manie la langue française comme personne. Il use d'un langage simple et clair, qui saisit dans la pureté et la simplicité de son expression toute la beauté de notre langue française, si belle... Pas de figures de style ampoulées, pas de style clinquant, ostentatoire, outré. Juste des mots, des mots simples mais forts, utilisés avec talent pour former une prose somptueuse. On a beaucoup parlé des poèmes en prose de Baudelaire. J'espère que dans quelques années, on parlera des poèmes en prose de Christian Bobin, qui à mon sens ont toute leur place dans notre panthéon national.

[3/4]

« La Mante religieuse » de Natalie Saracco (2014)

    « Léon Morin, prêtre » en 2014. Forcément c'est plus trash. Mais toujours aussi réaliste, pour qui sait ouvrir les yeux sur notre époque actuelle. Cette fois, il s'agit d'un jeune prêtre dynamique, David, presque aussi charismatique que Belmondo, harcelé par une jeune artiste peintre, Jézabel (nom d'une reine dépravée de l'Ancien Testament), qui se cherche et pense se trouver dans le sexe et l'excès de tout, alcool et drogue compris. Véritable mante religieuse, croqueuse d'hommes insatiable, elle se trouve désemparée par ce prêtre qui lui résiste, et qui a foi dans un absolu qui lui est étranger. Comment un homme peut-il faire vœu de célibat ? Elle cherche alors par tous les moyens à l'amener dans son lit. Cette confrontation entre les deux acteurs est marquante, d'une part en raison de la qualité de leur jeu et de la beauté sulfureuse de l'héroïne, jouée par Mylène Jampanoï, qui se heurte à la jeunesse bienveillante du prêtre joué par un excellent Marc Ruchmann. Mais aussi en raison du drame cornélien qui se trame pour le jeune prêtre : être fidèle à son vœu d'obéissance et de chasteté, exercer son ministère au service des autres en s'oubliant ou céder et aimer Jézabel ? Si le film s'arrêtait là, il serait une sorte de remake non dénué d'intérêt de « Léon Morin, prêtre », une sorte de version actualisée un peu maladroite certes, mais touchante et forte. Du moins, il semble que la majorité des critiques envers ce film s'arrêtent là, à son aspect dur et trash... Mais c'est oublier que ce long métrage recèle de personnages secondaires et d'un humour salvateur, qui permet de respirer un peu. Que ce soit l'énigmatique Stan, les prostituées, la mère supérieure, tous à leur façon détiennent une part de cet autre message, qui baigne le film : Dieu aime chaque homme et femme de ce monde. Ils ont tous un côté bienveillant qui contrebalance la noirceur du propos et le terrible affrontement entre les deux personnages principaux. Et pour finir, non le rythme n'est pas ennuyeux, le film a du sens, et on se passionne même pour ses personnages, des principaux au dernier des secondaires, et de plus, la réalisation, discrète mais efficace, démontre un vrai savoir-faire. Pour moi, malgré des maladresses évidentes, mais difficilement reprochables pour un premier film, il s'agit bien d'une réussite, à ne pas mettre entre les mains de tout le monde bien sûr, le long métrage, sans être vulgaire, étant réservé aux adultes, ne serait-ce que par son propos.

[3/4]

samedi 19 décembre 2015

« Une partie de campagne » de Jean Renoir (1936)

    Jean Renoir est peut-être avec Akira Kurosawa le réalisateur qui a su le mieux filmer la nature. Ses premiers films sont à ce titre de parfaits exemples de son talent, et se caractérisent par des prises de vue en extérieur somptueuses. On a beaucoup parlé de cet aspect de sa filmographie, ne manquant pas d'y voir des réminiscences de l'art de son père (le peintre Auguste Renoir) et du fameux mouvement impressionniste. C'est vrai. Mais pour tout dire, il me semble que cela va bien au-delà. Renoir brasse des thèmes qui vont du symbolisme (ces nombreux faunes qui parcourent son oeuvre, tous droit sortis du poème de Mallarmé), voire de l'antiquité grecque (en témoignent la présence de chœurs théâtraux dans des films comme « Toni » ou « Le Déjeuner sur l'herbe ») pour aller jusqu'à une modernité tout ce qu'il y a de plus contemporaine. Car si ses films sont quelque peu datés, mais délicieusement datés, ils conservent une certaine intemporalité : ils nous procurent des sentiments quant à la nature et aux intrigues qui s'y trament qu'on pourrait éprouver de nos jours. Le naturel (on y revient) de ses acteurs, malgré un jeu parfois proche de l'amateurisme, leur donne une présence inouïe. Ici, ceux qui se détachent sont Henriette et Henri, tous deux à l'opposé. Henriette est toute contente de se retrouver à la campagne, ingénue mais distinguée, elle se découvre des sentiments qu'elle ne connaissait pas. Henri lui est limite blasé par la beauté qui l'environne. C'est son domaine, il y règne presque en maître, et sait manipuler Henriette. Il sait se faire effacé, avec une politesse feinte, pour mieux refermer son emprise sur elle. « Une Partie de campagne » est un drame en deux actes. Acte 1 : une comédie limite grivoise, dont Renoir avait le secret. Des personnages saugrenus : une famille bourgeoise un peu bancale et deux matelots filous, qui se tournent respectivement autour, dans une ambiance de franche bonne humeur, bon enfant même. Acte 2 : un drame subtil... et horrible. L'un des matelots emmène Henriette dans la nature, et la force pour ce qui s'apparente à un viol. Il suffit de deux temps pour que Renoir nous déchire le cœur, plus précisément deux images : peu de temps avant l'acte, Henriette essuie une larme, comme si elle comprenait ce qui allait se passer, et qu'elle ne pouvait plus rien y faire ; puis ce fameux regard qui regarde ailleurs, presque le spectateur, en témoin impuissant, lors de l'acte. Rien n'est montré, seul ce visage, terrible de douleur résignée. L'épilogue permet d'appuyer le propos, en une sorte de dénonciation du machisme des hommes et du mal qu'ils peuvent faire. « Une Partie de campagne » en devient d'autant plus fort : à la beauté extraordinaire de l'image et des lieux, s'associe désormais un drame traumatisant, faisant résonner la nature de cette douleur incommensurable. La beauté de cette nature déteint alors progressivement, pour ne nous laisser que ce souvenir amer de l'égoïsme des hommes face aux femmes. Un grand, grand film de Renoir, qui comme Bazin le disait, peut être considéré comme tout à fait achevé. La récente réédition sur écran et en DVD devrait vous permettre d'en profiter.

[4/4]

jeudi 17 décembre 2015

« Le Doulos » de Jean-Pierre Melville (1962)

    « Le Doulos » fait partie de ces films noirs crépusculaires dont Jean-Pierre Melville avait le secret (maintes fois imité - Kitano, les frères Coen, Michael Mann, Johnnie To, John Woo - jamais égalé). Inspiré par les films noirs américains, il a pour autant réussi à créer quelque chose de tout à fait français, en mettant l'accent le plus souvent sur la camaraderie dans le milieu du grand banditisme, et particulièrement sur les amitiés brisées. Il a aussi su tirer parti des villes et des paysages typiquement français, créant une identité visuelle particulière. Les dialogues se font rares, et brefs, le style est sec, aride, direct, les personnages n'en font pas des tonnes. Mais à côté de ça, le langage cinématographique de Melville est tout ce qu'il y a de plus sophistiqué. On ne compte plus les mouvements de caméra discrets mais bien virtuoses (en témoigne ce fameux plan séquence d'ouverture), ces effets de styles simples en apparence, mais tellement fluides qu'on ne relève plus le savoir faire qui les a fait naître. Et puis n'oublions pas le scénario. C'est la grande force de ce film. Au début on ne comprend pas grand chose, on ne sait plus qui tire les ficelles, on est comme sonné... Bon sang, mais notre anti-héros (l'excellent Serge Reggiani) se fait donc mener en bateau ? Et puis tout à coup tout se délie. On comprend alors toute la complexité de l'intrigue, et tout fait alors sens. On comprend que rien n'est gratuit, que tout est subtilement amené, que tout concourt à créer une ambiance de polar extrêmement puissante. Du grand, grand film noir, mais toujours sous le couvert d'une sobriété qui ne fait que renforcer la force de ce cinéma. D'aucuns parlent d'abstractions lyrique pour qualifier le cinéma de Bresson, j'utiliserais ce même qualificatif pour caractériser le cinéma de Melville. Comme un coup de poing dans le ventre. Attention donc, ce n'est pas un long métrage bucolique : il est très, très pessimiste. Mais pour qui apprécie les films de genre de ce type, on ne peut qu'être impressionné par le talent de Melville, et bien sûr de ses acteurs.

[3/4]

mercredi 16 décembre 2015

« Gentleman Jim » de Raoul Walsh (1942)

    Réjouissant film que ce « Gentleman Jim » ! Baignant dans une bonne humeur constante, qui nous fait penser au meilleur de Capra, voilà du cinéma hollywoodien comme je l'aime ! Il faut en premier lieu saluer la performance d'Errol Flynn, qui incarne littéralement son personnage. Un sourire charmeur, un brin d'arrogance fort heureusement doublé d'une certaine modestie liée à ses origines on ne peut plus humbles, un culot monstre, et une allure de gentleman britannique, voilà les atouts de ce boxeur hors norme, qui grimpe deux à deux les échelons sociaux comme ceux de son sport de prédilection. Jim pourrait être agaçant, voire horripilant (il l'est d'ailleurs pour la femme dont il est épris), il est juste euphorisant par son effronterie démesurée et la vivacité de son esprit : c'est bien simple, tout le monde lui tend des pièges, et il retombe toujours sur ses pattes sans manquer de le faire savoir à ses ennemis d'un jour. Saluons aussi le scénario, ainsi que la mise en scène de Raoul Walsh. Si je devais donner un qualificatif à ce film, ce serait la générosité. Générosité du héros qui se souvient d'où il vient et grâce à qui il est arrivé où il est, générosité de ce scénario sachant faire preuve d'humour mais aussi d'émotion, lors d'une fameuse séquence finale, générosité de la mise en scène qui n'hésite pas à faire jouer à Jim tous les tours les plus pendables pour conquérir le cœur de sa belle, générosité des seconds rôles, tous plus attachants les uns que les autres, des parents émus au prêtre de bon conseil (en matière de boxe !) en passant par l'ami mal dégrossi ou le juge à l'honneur sauvé de justesse par Jim lui-même. Tout est réussi dans ce long métrage, et tout est au diapason d'une euphorie communicative : aucune fausse note. Par conséquent, c'est peu dire que je recommande ce film !

[4/4]

lundi 14 décembre 2015

« Dersou Ouzala » (Дерсу Узала) d'Akira Kurosawa (1975)

    « Dersou Ouzala » ou la résurrection d'Akira Kurosawa. Après le cruel échec commercial de « Dodes' Kaden », la faillite de la société de production qu'il avait créée avec des amis et une tentative (heureusement ratée) de suicide, Akira Kurosawa revient à la vie avec ce chef-d’œuvre d'humanisme et d'humilité. Émouvante histoire d'amitié, « Dersou Ouzala » raconte le choc de deux cultures, la rencontre de deux hommes qui s'observent, curieux l'un de l'autre, avant de peu à peu se comprendre et finalement vivre une sorte de relation fusionnelle. La présence de la Nature domine tout le film, contre laquelle l'Homme doit lutter (pour l'homme « civilisé ») ou au contraire avec laquelle l'Homme doit vivre en harmonie (pour l'homme « sauvage »). Ce film invite à la modestie pour l'humanité vaniteuse, à relativiser « l'intelligence » et la « connaissance » supposées de la civilisation ou du progrès, surtout lorsque la Nature toute puissante cherche à reprendre ses droits et que seul Dersou, dont on se moquait au début, se révèle apte à comprendre celle-ci et à lutter contre les éléments déchainés. « Dersou Ouzala » est aussi une bouleversante tragédie, pour des raisons que je vous laisse découvrir. Malgré cela, on ressort grandit du visionnage de ce film, émerveillé devant les richesses de la Nature et de l'Homme. Un chef-d’œuvre de simplicité et de profondeur à la fois, d'une incroyable beauté.

[4/4]

dimanche 13 décembre 2015

« Le Septième Sceau » (Det sjunde inseglet) d'Ingmar Bergman (1957)

    Bien que manquant parfois de subtilité (à mon sens), « Le Septième Sceau » est une réussite indéniable de la part d'Ingmar Bergman, surtout quand on connait la rapidité d'exécution et le peu de moyens dont bénéficiait ce film. C'est sans nul doute l'un des plus personnels du cinéaste suédois, agrégeant ses préoccupations et ses interrogations les plus fortes à travers les divers personnages. En premier lieu vient Antonius Block, parfaite incarnation de la détresse existentialiste de Bergman : il a cherché Dieu jusqu'en Terre Sainte mais l'absence de ses réponses lui fait craindre son absence tout court, et c'est finalement la Mort, seule certitude ici-bas, que le chevalier va rencontrer. Dépeinte avec humour, la Mort s'avère triomphatrice à tous les coups mais n'en demeure pas moins ignorante de ce qui attend les hommes après, raison supplémentaire de ne pas la craindre puisque finalement il s'agit plus d'une sorte d'« exécutant » que d'une entité toute-puissante. L'écuyer est quant à lui le parfait opposé du chevalier, plus terre à terre, sans manières et sans illusions, aimant les plaisirs simples de la vie quand son maître semble évoluer dans un autre monde : il est une autre facette de la personnalité de Bergman, celle qui aspire à prendre la vie comme elle vient, avec plus de simplicité mais non sans lucidité. La troisième et dernière principale personnification de Bergman se retrouve dans l'artiste ambulant et sa famille, persécuté par les ignorants n'entendant rien à son art, mais étant cependant incapable de vivre un seul jour sans l'exercer. Parcouru d'images inoubliables, « Le Septième Sceau » constitue l'un des films les plus accessibles de Bergman pour découvrir son œuvre, l'un des plus vivants aussi, et surtout l'un des plus représentatifs de son auteur.

[4/4]

samedi 28 novembre 2015

« Policier, adjectif » (Polițist, adjectiv) de Corneliu Porumboiu (2010)

    Un long métrage assez déstabilisant, qui commence presque comme une mauvaise blague (le projectionniste aurait-il confondu la bobine avec celle d'un remake roumain d'une série policière à la « P.J. », l'action en moins ?), mais qui peu à peu prend de l'envergure. À mesure que le film avance, la méthode de Corneliu Porumboiu prend tout son sens : il construit patiemment, petit à petit son long métrage avec un souci exemplaire de justesse et de vérité. C'est comme s'il partait du néant, comme s'il faisait table rase des conventions du 7e art pour créer sur des bases extrêmement solides son récit. Éviter le mensonge, éviter l'excès, être précis, voilà la ligne de conduite qu'on peut déceler dans « Policier, Adjectif » (Ceylan et Kiarostami ne sont pas loin). Porumboiu nous donne même les clés de son film : vérité certes, mais aussi temps, événement,... voilà les maîtres-mots qui fondent son art. La gestion du rythme du cinéaste roumain est en effet quelque peu éprouvante, mais par son exigence permet une lente montée en puissance vers une séquence finale radicalement différente, et qui donne tout son intérêt au long métrage, d'un seul coup ! En un instant, dans une continuité, une harmonie pourtant parfaite avec ce qui précède, des thématiques aussi imposantes que la morale, la loi, la subjectivité, la conscience ou bien sûr le rôle de la police envahissent le récit et nous laissent estomaqués, longtemps marqués par ce qui s'est dit après la fin de la séance. Avec une économie de moyens formidable, une simplicité et une sincérité remarquables (et même de l'humour !), « Policier, Adjectif » nous emmène bien plus loin que le début ne pouvait le laisser penser... À tous ceux qui ne sont pas effrayés par un cinéma qui délaisse l'action au profit de la réflexion, je ne peux que recommander vivement cet excellent film roumain !

[3/4]

samedi 7 novembre 2015

« Douze hommes en colère » (12 Angry Men) de Sidney Lumet (1957)

    Il y a les films surestimés, ces films que l'ont retrouve dans tous ces classements pompeux et qui se ressemblent tous des « 100 plus grands films de tous les temps et de la galaxie » sans raison, juste parce qu'ils sont tape à l’œil et que des snobs leur tressent des lauriers bien trompeurs pour qui sait y regarder. Et puis il y a les vrais grand films, les Classiques (comme on parle de musique classique ou de grands peintres), ceux qui sont plébiscités, et à raison. « Douze hommes en colère » fait partie de ceux-là. Sorte de huit-clos, proche d'un théâtre filmé pourtant tout ce qu'il y a de plus cinématographique (à l'inverse du mauvais théâtre filmé franchouillard), il s'agit d'un chef-d’œuvre authentique. Tout d'abord, son scénario est en or massif. 12 jurés débattent de la culpabilité d'un jeune adolescent défavorisé, soupçonné d'avoir tué son père. 12 personnages comme autant de représentants de l'espèce humaine, comme les savoureux personnages de la fameuse « Chevauchée fantastique » de John Ford. Certains sont orgueilleux, belliqueux, arrogants. D'autres sont distants, froids, voire même joueurs ou infantiles. D'autres enfin sont discrets, humbles, d'origine modeste. Tous sont réunis dans une salle surchauffée, lors d'une journée particulièrement torride, pour juger de l'avenir d'un jeune homme, qui devient le symbole même de la pauvreté, de la misère, de l'injustice sociale. Et tous l'estiment coupable. Tous sauf un : un homme joué par Henry Fonda, un homme qui se demande si les autres n'ont pas tort. Un homme seul face à onze autres. Et pourtant, un à un, il va les convaincre de réfléchir davantage à leur jugement. Le déroulement du scénario est à plus d'un titre exemplaire. Fort d'une économie de moyens considérable (que ce soit d'un point de vue matériel, des gestes, de la parole...), il parvient, de rebondissements en rebondissements à nous tenir en haleine une heure et demie durant, et surtout il réussit à nous faire réfléchir sur la condition humaine, sur le sens de la justice, de la démocratie dont les Américains sont à juste titre si fiers, du pardon, de la miséricorde, de l'empathie... Vraiment ce long métrage est d'une grande richesse et d'une grande humanité. D'autant qu'il est servi par des acteurs tous excellents, chacun dans leur rôle si différent de celui de son voisin de délibération. Je vous invite donc à regarder ce long métrage, qui là, pour le coup, mérite bien de figurer dans toutes ces listes des plus grands films jamais réalisés.

[4/4]

dimanche 25 octobre 2015

« Chien Enragé » (Nora inu) d'Akira Kurosawa (1949)

    « Chien Enragé » est le premier grand film d'Akira Kurosawa, en ce sens qu'il est totalement abouti aussi bien sur le fond que sur la forme, magistralement filmé, magistralement interprété. Il s'agit tout d'abord d'un film éminemment visuel. Tout en jeux de regards, en suggestions, en significations. Le jeu de l'ombre et de la lumière, l'effet de la chaleur sur les corps, les détails qui délivrent les réponses de l'enquête, le mouvement des personnages, et bien sûr leur regard. Le regard fiévreux de Mifune, jeune inspecteur qui s'est fait voler son arme de service, ce damné revolver qui le rend malade. Et puis la composition du plan, toujours aussi parfaite, souvent construite autour de trois acteurs : tantôt pyramidale, tantôt avec le personnage central en évidence, parfois l'un de dos, toujours avec ce soin, cet art du beau, et cette force picturale. Ensuite l'interprétation de Mifune et de Shimura force le respect : crédibles à 200%, ils sont véritablement leurs personnages. Mais les seconds rôles, comme toujours chez Kurosawa (et les Grands du 7e art) ne sont pas en reste, de la danseuse au maudit voleur de pistolet. Enfin et surtout le fond, le scénario. Dans ce film, Kurosawa se fait le témoin et le peintre de l'après guerre. Dans ce pays et ce contexte apocalyptiques, il oppose deux voies : la droiture, la vertu, le courage et la ténacité, incarnés par Mifune, et la chute, le désespoir, la violence, le néant, personnifiés par Yusa, le voleur de revolver. Mais ce qui fait la force exceptionnelle de ce long métrage, c'est qu'un rien les sépare. Tous deux se sont fait voler leurs affaires en rentrant de l'armée, tous deux ont vécu la guerre et ses traumatismes. Mais l'un a tenu, l'autre s'est effondré. Pourtant tous deux sont comme des frères jumeaux, presque des égaux, tels que représentés dans un fameux plan en fin de film, où ils se jettent dans un champ, presque dans les bras, épuisés, moralement et physiquement, l'un à la poursuite de l'autre, mais semblables par bien des aspects, l'un n'allant pas sans l'autre, à l'image de ce Japon qui se relève difficilement de la guerre, avec sa face lumineuse et sa face obscure. Tout ça est dit en un plan. Toute la force du cinéma de Kurosawa réside dans ce plan, où le fond se coule dans la forme pour ne faire qu'un seul et même matériau cinématographique. C'est la grandeur de son art, de son cinéma. Mais « Chien Enragé » ne se limite pas à ce plan. C'est avant tout une enquête trépidante, inlassable. Ce sont deux courses poursuites d'anthologie. C'est un Tokyo chaotique, agonisant sous la chaleur. C'est un des plus grands films noirs de l'histoire du cinéma. Oui, le premier grand chef-d’œuvre d'Akira Kurosawa, et loin d'être le dernier.

[4/4]

dimanche 27 septembre 2015

« Miss Hokusai » (Sarusuberi Miss Hokusai) de Keiichi Hara (2015)

    Quand on regarde un dessin animé japonais, on est tout de suite tenté de le comparer à l’œuvre d'Hayao Miyazaki… Le problème est qu'à mon sens, seul Isao Takahata arrive à faire aussi bien. « Miss Hokusai » ne peut donc que pâtir de la comparaison. Pourtant c'est un long métrage honorable : relativement bien dessiné, soigneux, parfois même émouvant, il remplit son cahier des charges, à savoir rendre compte de la vie du grand peintre japonais Hokusai par l'intermédiaire de sa fille, O-Ei. L'héroïne est même dotée d'un caractère propre, et a sa propre vision des choses : elle se révèle bien plus courageuse que son père, obsédé par la peinture au point d'oublier son devoir paternel, notamment en refusant d'aller visiter son autre fille, aveugle de naissance, jeune et fragile. Malgré tout, Hokusai paraît humain, car plein de défauts. Humain car lâche, égoïste, vaniteux… Le réalisateur évite donc le film hagiographique lisse et plat. Quant à O-Ei, personnage central du long métrage, elle parvient à peindre parfois mieux que son père, et à rester généreuse en même temps, humaine car vertueuse, et non pas faible (en un sens) comme peut l'être son père. Les personnages sont donc plutôt finement brossés. Pourtant, il manque un supplément d'âme à ce film pour convaincre complètement. En dehors des trois personnages principaux, le monde ne semble pas exister, il n'y a pas cette poésie du quotidien et de l'indicible que l'on retrouve chez les plus grands. Les décors… restent des décors. Et les personnages secondaires sont désespérément plats. Sans compter cette faute de goût révélatrice de la qualité relative de « Miss Hokusai » : quand une guitare électrique à la AC/DC commence à se faire entendre, doublée d'une batterie tout aussi anachronique, on ne peut qu'être étonné par ce choix pour le moins disgracieux. Quelques dialogues tout aussi ratés complètent le sentiment de déception que l'on peut ressentir à la fin du long métrage, dont le scénario (l'enchaînement des séquences) est maladroitement construit. « Miss Hokusai » est donc un film moyen : fort de certaines qualités, mais limité par ses défauts et ce manque d'âme qui limitent sa portée artistique. Un long métrage à réserver aux fans d'Hokusai, car il décevra les admirateurs du Studio Ghibli.

[2/4]

« Love Is All You Need » (Den skaldede frisør) de Susanne Bier (2012)

    « Love Is All You Need » est un long métrage simple et beau, modeste et touchant. Vu par hasard, je n'y aurais certainement pas prêté attention autrement. Fort d'excellents comédiens (Trine Dyrholm en tête, mais Pierce Brosnan n'est pas en reste), il raconte le combat d'une femme, Ida, contre le cancer, et qui, sur le chemin de la guérison, se fait tromper par son rustre de mari, et devant ses yeux ! Le mariage de sa fille en Italie est le prétexte à une rencontre avec Philip, un riche chef d'entreprise, veuf, qui noie son chagrin en se surinvestissant dans son travail. Or il se trouve que c'est le fils de Philip qui se marie avec la fille d'Ida, ce qui va rapprocher leurs parents respectifs. Le mariage sert donc de cadre à cette histoire plus riche qu'il n'y paraît. D'une part car les personnages sont très fouillés, avec chacun leur combat à mener. D'autre part car les thématiques abordées, notamment la maladie, le courage, l'amour, l'engagement, sont brillamment incarnées par les personnages et leurs choix. Susanne Bier parvient à parler de beaucoup de choses, et surtout des choses les plus importantes de la vie d'un homme ou d'une femme, le tout avec beaucoup d'humour et de finesse. Vraiment, ce film m'a impressionné par son humanité et sa force, malgré une grande simplicité formelle et une grande sobriété du jeu des acteurs. Comédie romantique d'une grande profondeur, « Love Is All You Need » mérite assurément le coup d’œil, divertissant et émouvant à la fois. Je recommande vivement !

[3/4]

jeudi 27 août 2015

« Au plaisir de Dieu » de Jean d'Ormesson (1974)

    « Au plaisir de Dieu » est sans aucun doute la pièce maîtresse de l’œuvre de Jean d'Ormesson. Cet ample récit fictif, mais à forte connotation autobiographique, dépeint le long de 600 pages (qui se lisent d'une traite) le destin malheureux d'une famille d'aristocrates battue en brèche par le temps et la révolution des mœurs. Tout tourne autour de la figure du grand-père paternel : Sosthène. Profondément réactionnaire et humain, il est le témoin impuissant, avec le narrateur, de la ruine de sa famille et de ses idéaux. Je pensais que cet ouvrage serait une chronique familiale, vivante, enjouée... En fait c'est plus subtil, il s'agit d'une étude historique, sociologique et sentimentale d'une famille aristocratique à cheval sur le XIXème et le XXème siècle. Jean d'Ormesson use d'un langage simple mais bien tourné, dans un style alerte et agréable, avec un humour qui contrebalance la noirceur, il faut bien le dire, du destin brisé de ses proches. Véritable paradis perdu, le château de Plessis-lez-Vaudreuil réunit toute la famille, brillant par les personnalités les plus diverses et opposées qu'elle rassemble sous un même toit. Chronique implacable car objective, jamais mièvre ni cruelle, « Au plaisir de Dieu » raconte l'évolution de la famille, du grand-père mélancolique, de la tante à l'avant-garde de l'époque, des cousins tantôt fascistes tantôt communistes, des histoires d'amour déçues en passant par les gloires de cinéma. Il faut reconnaître à Jean d'Ormesson, outre son style plaisant, son absence de jugement sur des personnages qui sont pourtant au cœur de son récit. Car si l'intrigue, ou plutôt l'histoire (avec ou sans majuscule), déroule ses entrelacs au gré d'évènements majeurs tels que les deux guerres mondiales, jamais l'auteur et le narrateur (qui ne font qu'un) ne jugent les positions des principaux protagonistes, on ne peut plus contradictoires car humaines. Mieux, d'Ormesson réussit à transcrire toute la complexité d'alors, et de tout être humain qui se respecte. Tout lecteur de ce livre me comprendra. Et je dois dire que finalement, c'est ce qui fait toute sa force. Avec une franchise qui force le respect, d'Ormesson raconte des temps qui nous paraissent bien loin, des façons de penser d'alors, des comportements disparus, et se fait donc le meilleur témoin possible de tout un pan de l'histoire de France et de l'Occident du XXème siècle. Rien que ça. Sans être un chef-d’œuvre de la littérature, « Au plaisir de Dieu » est un excellent roman, et c'est déjà beaucoup, doublé d'un formidable travail de reconstitution, s'attardant sur l'essentiel (l'humain, la pensée et le vécu) et non sur les détails (la couleur du costume de monsieur untel ou des tuiles du château). Je salue donc l'ouvrage de Jean d'O, d'autant plus estimable en ces temps de révisionnisme acharné.

[3/4]

vendredi 21 août 2015

« La Jeunesse de Corto Maltese » de Hugo Pratt (1983)

    « La Jeunesse de Corto Maltese » est un sympathique album, court, cédant un peu à la mode du préquel, mais habilement scénarisé par Hugo Pratt pour faire apparaître Corto suffisamment tard dans l'histoire pour laisser intact le « mythe ». En effet, tant qu'à dévoiler la jeunesse de Corto (en partie), autant conserver une dose de mystère ! Hugo Pratt réussit donc son pari de donner à ses fans un os à ronger sans pour autant dévoyer sa célèbre série et son héros éponyme. Comme toujours on retrouve un arrière plan historique très intéressant (la guerre russo-japonaise de 1904-1905) et des héros ayant vraiment existé, tels que Jack London, ce qui permet de crédibiliser la série et de donner une certaine aura à notre ami Corto, décidément témoin de toutes les folies de ce début de XXème siècle. Le dessin se libère : Pratt est à son apogée picturale. Pour une fois les couleurs de Patrizia Zanotti ne desservent pas trop le fameux noir et blanc du dessinateur italien : on apprécie d'autant mieux les uniformes, les flammes, le ciel... Même si le noir et blanc reste inégalable. Mon principal reproche va au scénario beaucoup trop centré sur Raspoutine, l'alter ego à moitié (voire complètement) fou de Corto. Sa folie meurtrière n'est pas des plus intéressantes, mais comme je l'ai précisé en introduction, la présence en retrait de Corto est une bonne idée. Jack London est bien plus captivant, héros on ne peu plus « prattien » : américain pacifiste, perdu au milieu d'une guerre qui n'est pas la sienne, il préfigure son ami Corto, avec ce courage désintéressé qui le caractérise. On sent tout de même que Pratt est sur un pente relativement déclinante : depuis « Fable de Venise », Pratt se recentre sur son univers, réutilise beaucoup de personnages, et surtout les dialogues perdent de leur consistance, et pour tout dire de leur saveur. Les personnages échangent des banalités... Le Corto de « La Ballade de la mer salée », de « Sous le signe du Capricorne » ou des « Celtiques », mélange d'aventurier pur jus et de héros romantique (sans en avoir l'air) s'efface au profit de personnages secondaires plus désenchantés et sombres... Bien sûr de beaux restes subsistent dans « La Maison dorée de Samarkand » notamment, mais il y a comme quelque chose de perdu... « La Jeunesse » donne néanmoins le change, et figure encore dans les aventures de Corto qui me semblent (à mon humble avis) dignes de ce nom, grâce à cette ambiance si particulière que Pratt réussit à installer. Un album à lire, mais qui parlera plus aux fans de la série.

[3/4]

jeudi 20 août 2015

« Fort Wheeling » (Wheeling) de Hugo Pratt (1976-1995)

    « Fort Wheeling » est une pièce maîtresse de l’œuvre d'Hugo Pratt. Pour tout dire, c'est l'un de ses plus grands récits, des plus amples et des plus complexes. C'est aussi un sommet graphique, pour la majeure partie dessiné selon sa façon la plus classique, des années 60, avant les débuts de Corto Maltese. « Wheeling » voit se nouer et se dénouer la trame des amitiés, sur fond de guerres amérindiennes et d'indépendance entre Britanniques et Américains. Condensant le bruit et la fureur de la conquête de l'Amérique, faisant état des atrocités de part et d'autres, commises tantôt par les colons, tantôt par les Indiens, « Wheeling » est aussi et avant tout un vibrant plaidoyer pour la paix. Les vrais héros de ce récit prônent l'amitié entre les peuples et la compréhension mutuelle, dans un respect qui devrait être éternel, même s'il est, hélas, utopique… De malentendus en malentendus, d'outrages en haches de guerres déterrées, c'est une effroyable machine qui se met en marche : la guerre. Détruisant tout sur son passage : les vies, les familles, les amitiés, l'honneur, la paix… Pourtant dans ce marasme surnagent quelques individus : certains sont un peu fous et cherchent à se venger sans savoir s'arrêter, ivres de douleur. D'autres sont tout aussi fous (du moins le croit-on) : ils rêvent d'un avenir joyeux, apaisé. C'est notamment le cas de Criss Kenton, le jeune héros de « Fort Wheeling », patriote à la recherche de sa belle, balloté par les évènements au gré des flots de l'histoire. Son courage et sa ténacité viendront à bout de bien des péripéties, et c'est lui qui porte sur ses jeunes épaules la plus grande part d'humanité de ce récit, qui bien que terrible et sombre se révèle à de nombreux moments très émouvant. Une histoire massive, servie par un beau crayonné : nous ne sommes pas loin du chef-d’œuvre. Mais, car il y a un mais, c'est sans compter sur la fin abrupte et tristement décevante. Écrit et dessiné pour l'essentiel dans les années 60 et 70, « Wheeling » est à 90% un chef-d’œuvre digne de ce nom. Mais la toute fin, réalisée dans les années 90, à la fin de la vie et de l’œuvre de Pratt est horrible. Pratt s'englue dans ses défauts du moment : des personnages grossiers et une vulgarité crasse des plus décevantes… Comme dans les derniers Corto Maltese ou « Cato Zoulou ». Il détruit méticuleusement ses héros dans un geste nihiliste qui dénote avec la beauté de « Wheeling » et de ses personnages humains, magnifiquement humains. C'est assez incompréhensible… D'autant que le style graphique, lui, épuré à l'extrême, se libère et brille par son originalité et son éclat… Quel dommage ! « Fort Wheeling » Tome 1 compte donc parmi les 4 ou 5 meilleurs albums de Pratt. Le Tome 2 (surtout la fin) parmi les 4 ou 5… pires.

[3/4]

mardi 18 août 2015

« Numéro 9 » (9) de Shane Acker (2009)

    « Numéro 9 » est un beau film d'animation, qui malheureusement n'exploite pas tout le potentiel qu'il semble promettre dès le début. Les toutes premières secondes sont décidément très belles, une merveille d'animation : le jeu des mouvements, de la lumière et du temps, qui s'écoule lentement, la qualité et la beauté de l'image... Et l'histoire se révèle émouvante : 9 faibles créatures, amas de chiffons et de fermetures éclairs, boutons et autres épingles à nourrice sont éveillées à la vie par un créateur un peu fou, et doivent se débattre dans un monde apocalyptique qu'elles doivent sauver de la destruction. A l'aide de ces 9 créatures de bric et de broc, les scénaristes dépeignent toute une palette de sentiments, chaque personnage ayant son caractère, ses forces et ses faiblesses, représentant en quelque sorte les différentes facettes de l'humanité. Car dans un monde sans humains, peuplé de machines infernales, ce sont finalement ces 9 poupées de chiffons qui restent seules à porter le peu d'humanité qu'il reste. Je dois donc dire que le concept, l'idée de base du film est très originale, et pour tout dire très bonne. C'est seulement le traitement, le déploiement de cette idée qui reste décevant. Car si l'on excepte ces 9 personnages et la raison (touchante elle aussi) de leur existence, bref le cadre et le fond de l'histoire, le déroulement des péripéties est on ne peut plus linéaire, et relativement prévisible. On reste dans le film d'aventure initiatique type outre-Atlantique... Je n'ai pas vu le court métrage à l'origine de ce film, mais on sent qu'il s'agit d'une idée étirée bien plus qu'une histoire suffisamment riche pour se suffire à elle-même 1h30... Mais ne boudons pas notre plaisir, ça nous change des « Cendrillon 3 - Le Retour » en pilotage automatique ! Un film à voir, mais peut-être un peu sombre pour les jeunes enfants : à réserver aux adolescents et aux adultes.

[3/4]

samedi 4 juillet 2015

« Mes Voisins les Yamada » (Hōhokekyo tonari no Yamada-kun) de Isao Takahata (1999)

    Tout comme pour Miyazaki, l’œuvre d'Isao Takahata est un singulier mélange d'influences japonaises traditionnelles et occidentales. On connaît l'attrait particulier qu'a Takahata pour la France, et dans le domaine du cinéma, pour le réalisme poétique des années 1930. Et de fait, toute son œuvre se caractérise par ce réalisme saupoudré d'une poésie tantôt magnifique tantôt comique et exubérante. Là où l’œuvre de Miyazaki baigne dans le fantastique tout en touchant à l'universel, l'universalité de l’œuvre de Takahata vient de ce goût pour la représentation du réel, de la beauté du réel, à la manière d'Ozu (comme Miyazaki ressemble fort à Kurosawa). Ce réel peut être difficile et triste à pleurer (« Le Tombeau des lucioles »), terrible, inhumain (« Le Conte de la princesse Kaguya »), nostalgique (« Souvenirs goutte à goutte »), mais aussi drôle (« Pompoko »)... voire franchement comique : et nous arrivons à « Mes Voisins Yamada ». Derrière le graphisme humoristique, proche de la caricature, tout comme la psychologie des personnages, archétypiques de la famille japonaise moderne, voire occidentale, se cache en fait une ode à la vie humaine, foncièrement imparfaite, et c'est tant mieux ! Derrière tous les défauts de la famille Yamada et leurs péripéties qui n'ont rien à envier aux nôtres (dans la « vraie » vie), se cache en effet la célébration de l'humanité dans toute ses contradictions. Tout comme « Kaguya » est un plaidoyer (en filigrane) pour une vie simple, proche des gens, humaine en somme, « Mes Voisins les Yamada » montre que même la vie de tous les jours est haletante, et qu'en définitive, créer un foyer et bien conduire sa barque sur les flots incertains de la vie est plus difficile qu'on ne le croit, et en même temps l'affaire de l'humanité depuis des millénaires. C'est donc possible ! Et même souvent très drôle, comme les innombrables (més)aventures des Yamada. Entre le père chef de service harassé par son travail et la vie de famille, la mère guère douée pour le ménage, la grand-mère acariâtre, le fils fainéant et la fille témoin de tout ce qui se passe, voilà un portrait tendre et amusé d'une famille on ne peut plus universelle. On se retrouve dans bien des situations, et on rit de bon cœur à toutes ces péripéties bon enfant. Saluons également la technique de l'animation, qui sert tout à fait le propos, et qui mine de rien tient de la prouesse graphique, voire de la franche innovation. En somme, un Ghibli très original et très drôle, à regarder en famille.

[4/4]

dimanche 28 juin 2015

« Saint-Exupéry – Le Dernier vol » de Hugo Pratt (1994)

    « Saint-Exupéry – Le Dernier vol » est l'avant dernier album de bande dessinée écrit et dessiné par Hugo Pratt avant de mourir. Étonnamment, c'est l'un des plus solaires qu'il ait produits, bien qu'il soit mélancolique et nostalgique. Comme si Pratt voulait se remémorer le meilleur de l'un des plus grands auteurs de la littérature française avant de quitter le monde, le meilleur de l'un de ses nombreux auteurs de prédilection, lui l'homme aux milliers de livres. A vrai dire, cet ouvrage est l'un des plus poétiques d'Hugo Pratt, et dans le bon sens du terme. Lors de son dernier vol, tristement célèbre, Saint-Ex se perd dans ses souvenirs et se remémore toute sa vie, en partie à travers les livres qu'il a écrits. Alternant les teintes entre un présent tragique (l'attaque des chasseurs allemands) et un passé flamboyant, « Le Dernier vol » est un bel hommage, peut-être l'un des tous meilleurs, à l'écrivain et au pilote que fut Antoine de Saint-Exupéry. Il faut dire qu'Hugo Pratt donne à cet album une saveur particulière en distillant le temps par un tempo savamment entretenu. Le compte à rebours est lancé avant une fin que l'on sait certaine, et c'est là toute la tristesse joyeuse du « Dernier vol » : dans un dernier élan, le meilleur de Saint-Ex ressurgit avant de s'éteindre pour l'éternité (du moins pour ce qui est de la partie charnelle du pilote). Ultime voyage avant le passage vers l'autre monde, ultime rappel de ce que fut la vie et l'engagement du célèbre aviateur français, mais aussi du dessinateur italien. Pratt a choisi la mer, Saint-Ex les airs, mais les deux se rejoignent dans une œuvre mêlant le courage physique et moral à la poésie la plus franche, l'expérience de la navigation ou de l'aviation et le rêve, le souvenir, un langage imagé et fleuri : pour l'un ce sera les mots, pour l'autre le dessin... Quoique, n'oublions pas les aquarelles du Petit Prince et les bulles de Corto ou des Scorpions du Désert ! Deux univers qui se croisent, donc, deux destinées tout à fait singulières (Saint-Ex n'est pas Pratt et réciproquement) mais qui partagent le même goût pour l'Aventure humaine. Autant dire que « Saint-Exupéry – Le Dernier vol » est l'un des plus beaux albums d'Hugo Pratt.

[4/4]

vendredi 26 juin 2015

« Capitaine Cormorant », « Billy James » et « L'Assaut du fort » de Hugo Pratt, Mino Milani et Alberto Ongaro (1962)

    La récente réédition de 3 aventures dessinées par Hugo Pratt, sous le titre de « Capitaine Cormorant et autres histoires » permet d'apprécier une autre facette de l'auteur italien. La principale histoire de cet ouvrage est celle du Capitaine Cormorant, écrite et dessinée par Pratt en personne, histoire qui préfigure « La Ballade de la Mer Salée » et le personnage de Corto Maltese, même si les protagonistes de « Cormorant » diffèrent sensiblement.  Le héros éponyme est un être épris de liberté, un peu fou en apparence, mais au fond sûr de lui et de ce qu'il fait (toute ressemblance avec Corto est fortuite, hum). Rusé, courageux, il réussit à se frayer un chemin au gré des îles australes et des coutumes locales pour le moins surprenantes. On retrouve la soif des grands espaces et le goût pour l'océan de Pratt qui feront tout le sel des aventures de Corto. De plus, en bon héros « prattien », Cormorant est entouré de fidèles amis, dont un indigène tatoué que l'on retrouvera peu ou prou dans des albums ultérieurs, et une femme de caractère, autres indices des chefs-d’œuvre à venir. « Capitaine Cormorant » est ainsi une nouvelle graphique accomplie, plaisante, mais qui hélas se finit brutalement car les épisodes devant lui succéder resteront à l'état d'esquisses (quelques unes sont reproduites, sans les dialogues, dans un chapitre au titre un peu trompeur – l'espoir de découvrir un inédit complet étant toujours vif avec les rééditions – intitulé « Capitaine Cormorant - Deuxième Partie »). 

La seconde véritable aventure de cet album s'intitule « Billy James » et nous conte l'histoire d'un trappeur pris à parti lors de la guerre franco-britannique pour la suprématie en Amérique du Nord, au XVIIIe siècle. Le héros qui donne son titre à l'épisode est cette fois-ci un jeune homme, mais qui bien sûr est un fin connaisseur de la région, et est surtout quelqu'un (là encore) de malin et d'habile. Il lui faudra toutes ces qualités pour éviter d'être tué par erreur au milieu de la confusion qui régnait alors. Une jolie jeune femme et un sympathique révolutionnaire viennent pimenter le tout, faisant de cet autre récit une pièce de choix pour tout amateur de bande dessinée qui se respecte. Détail s'il en est, le scénario est écrit par Milani, mais la préface nous fait comprendre que c'est Pratt qui a décidé du cadre et de bien des aspects. Logique quand on connaît l'attrait d'Hugo Pratt pour l'époque et le lieu (cf. « Fort Wheeling »).

Vient enfin « L'Assaut du fort », écrit par Alberto Ongaro, et qui reprend là encore le cadre de l'Amérique du Nord au XVIIIème siècle, cette fois-ci après la victoire des britanniques sur les français. Un fort britannique est assailli par des indiens Ottawas, alliés des français mais surtout ennemis des anglo-saxons, et qui continuent le combat malgré le retrait de nos compatriotes. Un héros providentiel (jeune et rusé, mais je me répète) devra traverser les lignes ennemies pour demander du renfort à la base avancée de Niagara. 

Je ne vous en dit pas plus, pour résumer ces 3 histoires trouvent surtout leur cohérence dans le style graphique assez classique (on est au début de la carrière d'Hugo Pratt) et dans les traits de caractère en germe de nos héros, avec toujours ce goût pour l'aventure et les terres reculées qui feront toute la fortune de notre ami Corto (et de Pratt, bien sûr). En conclusion : une réédition qui vaut le coup, même si décidément la couleur (ici) ne vaut pas le célèbre noir et blanc du maître. 

[3/4]

mardi 23 juin 2015

« Corto toujours un peu plus loin » (Corto Maltese sempre più lontano) de Hugo Pratt (1974)

    « Corto toujours un peu plus loin » prolonge « Sous le signe du Capricorne », qui voit notre marin maltais s'aventurer en Amérique Latine et dans les Caraïbes. Il est toujours question de magie noire, d'obscures luttes de pouvoir, de folie, de révolutions, et bien d'autres choses encore. On retrouve avec plaisir certains habitués de la série : le professeur Steiner ou Bouche Dorée. Mais une fois de plus (pour le moment du moins), Hugo Pratt parvient à se renouveler et à proposer une suite de brèves histoires qui se suffisent à elles-mêmes, et qui forment un kaléidoscope poétique de ce que pouvait être le début du XXème siècle en ces lieux, sous le haut patronage de Stevenson ou de Conrad. Il y a toujours cette distinction floue entre le rêve et la folie, avec la quête de l'El Dorado et de richesses perdues d'un côté, mais aussi les ravages de la guerre 14-18 de l'autre, qui laissa un grand traumatisme dans l'esprit de bien des combattants. Finalement, seul Corto parvient à toujours s'en sortir, pas complètement indemne physiquement, mais son flegme et son pragmatisme légèrement teinté de romantisme lui permettent d'éviter de croire aux mirages qui rendent fiévreux bien des hommes. On est même surpris par le ton assez émouvant de certains passages, la dernière histoire notamment. Malgré un verni ironique, presque (mais pas) sarcastique, Corto Maltese est finalement une série plus humaine qu'il n'y paraît, portée par un anti-héros moderne, faux dur au cœur tendre. Et « Corto toujours un peu plus loin » compte parmi les meilleurs albums dessinés et écrits par Hugo Pratt, ce qui est d'autant plus appréciable.

[4/4]

dimanche 17 mai 2015

« Souvenirs goutte à goutte » (Omoide poroporo) d'Isao Takahata (1991)

    La première fois que j'ai vu ce film, ça n'a pas manqué : le ton nostalgique, le rythme lent, le manque d'une certaine poésie audacieuse ou de la touche épique miyazakienne, tout cela m'avait déçu. Tout comme pour « Le Château ambulant », maintenant que j'ai donné une seconde chance à ce long métrage sans en attendre la lune, mon avis diffère, et en bien ! Takahata réussit à dépeindre plus que deux époques (les années 1960 et 1980), il évoque avec brio deux âges de la vie d'une jeune femme : l'éveil de l'adolescence et le passage à proprement parler à la vie adulte (fin des études et début du travail). « Souvenirs goutte à goutte » nous conte les vacances d'une tokyoïte de 27 ans, Taeko, qui en prenant le chemin de la campagne, se remémore bien des souvenirs de son enfance, quand elle avait une dizaine d'années. Les séquences alternent donc entre 1966 et 1982, celles de 1966 étant dessinées à l'aquarelle dans de jolies couleurs, tandis que 1982 est représentée dans les tonalités habituelles et sous le trait caractéristique du Studio Ghibli. Ce qui est intéressant, c'est le côté presque documentaire de l'exercice, car les souvenirs de Taeko rappellent bien des souvenirs qui nous appartiennent : la lutte (à l'usure !) pour obtenir telle ou telle chose de son père ou de sa mère, les cours qu'on juge trop difficiles, l'amour envers son ou sa camarade, les relations familiales avec les frères et sœurs, et bien sûr les parents,... De même pour la jeune femme de 27 ans, quand on approche cette âge, on vit le même genre de problématiques : la question de l'attrait pour un travail pas toujours très intéressant, la question du mariage, le choix de la vie à la ville ou à la campagne,... Takahata réussit subtilement à aborder bien des thèmes qui nous touchent, et ce sans que l'on se rende compte de l' « artificialité » du dessin (toujours plus que relative chez Ghibli) : en bref, on se croirait devant un film « live » tant c'est bien amené, et plus encore, devant un film d'Ozu, tant ce long métrage respire la lenteur, la nostalgie et le soin apporté aux sentiments les plus fins, sans parler de la qualité toujours aussi prodigieuse de la l'animation. « Souvenirs goutte à goutte » est donc un film hautement recommandable, mais clairement à destination des adultes, sous peine d'endormir les enfants !

[4/4]

vendredi 1 mai 2015

« Le Serpent blanc » (Hakuja den) de Taiji Yabushita (1958)

    « Le Serpent blanc » est le pont entre Disney et Hayao Miyazaki, entre l'animation occidentale et extrême-orientale, entre le début et la fin du XXème siècle. Il s'agit d'un long métrage animé d'une grande qualité et d'une grande poésie, qui commence tout simplement pour s'achever non moins joliment. Les personnages sont bien dessinés, l'animation est fluide, et les petits animaux qui aident nos deux héros dans leurs aventures fantastiques sont fort sympathiques. Il s'agit d'un conte immémorial, l'histoire d'un petit garçon qui découvre un serpent blanc au marché et qui le ramène chez lui, mais dont ses parents veulent qu'il se sépare, ce qu'il finit par faire à son plus grand regret. Toutefois le serpent réapparaît bien plus tard sous les traits d'une jeune fille, et l'on se doute de ce qui va se passer. On retrouve plusieurs effets d'animation à la manière de Disney, et le couple d'amoureux comme les autres personnages secondaires aux traits animaliers rappellent à bien des égards les contes imagés de la firme américaine. Pour autant, c'est l'une des premières fois que l'intrigue se passe en Extrême-Orient, du moins pour un film de cette envergure. Même si l'animation est japonaise, il s'agit d'un vieux conte chinois. De même, un grand soin est apporté aux paysages tout ce qu'il y a de plus locaux. Tout cela ne pouvait qu'inspirer Hayao Miyazaki et lui donner l'envie de se dépasser, constatant qu'il est possible de créer des animés de qualité au Japon. Cependant, si ce long métrage a indéniablement ouvert des portes, il faut bien dire qu'il ne se hisse pas au même niveau de profondeur et de richesse que bien des films de maître Miya. Pour autant, il s'agit d'une œuvre très poétique, qui malgré des maladresses et quelques archaïsmes demeure une indéniable réussite. A voir, ne serait-ce que pour sa culture cinématographique.

[3/4]

« Princes et Princesses » de Michel Ocelot (2000)

    Comme tous les artistes dignes de ce nom, Michel Ocelot a compris ce qui fait l'essence des belles œuvres d'art : leur sens. Concrètement, qu'est-ce que ça veut dire ? Que peu importe la forme, un riche et beau sujet est inépuisable. Et quel sujet plus intemporel que l'amour ? Quels héros plus antiques et modernes à la fois que l'homme et la femme, le couple : le prince et la princesse ? Peu importe la forme, certes, encore que... Mais si la forme est sublime, comment ne pas se réjouir de l'idée toute simple et pourtant géniale de reprendre un même thème, subtilement décliné à l'infini, telles les variations d'un Bach ou d'un Vivaldi ? « Princes et Princesses » c'est cela : des histoires toutes simples servies par un visuel épuré mais néanmoins de choix, à la manière des théâtres d'ombres chinoises. Un sujet intemporel, une forme intemporelle, et le tout d'une beauté... On y sent toute la sensibilité de Michel Ocelot, mélange harmonieux de poésie, d'audace et d'humour. Ça aurait pu confiner à l'exercice de style, c'est finalement éclatant, passionnant, et beau, tout simplement. Certes, c'est parfois maladroit, mais c'est ce qui rend ces dessins, ces héros en deux dimensions d'autant plus humains. Chaque conte se distingue par son originalité, une approche et une époque différentes. Chaque conte est construit avec le même soin et la même « patte Ocelot ». Oui Michel Ocelot est un grand monsieur de l'animation française et mondiale. Merci à lui !

[3/4]

lundi 6 avril 2015

« Interstellar » de Christopher Nolan (2014)

    J'ai relevé quatre qualités à ce long métrage. Tout d'abord il rend hommage aux pionniers en tous genres, qu'ils soient astronautes ou simplement navigateurs du XVème siècle (ou encore pionniers du Far West). « Interstellar » est l'histoire d'un équipage humain perdu dans l'espace, espérant fonder une colonie pour y emmener des hommes et des femmes qui ne peuvent plus rien tirer d'une Terre dévastée par un environnement hostile. Et Nolan arrive à nous faire ressentir cette crainte mêlée d'espoir de ces aventuriers au courage hors norme. On suit l'intrigue sans jamais ressentir d'ennui, et l'on se dit que l'on pourrait être aussi bien dans une caravelle de Christophe Colomb que dans un vaisseau spatial tant ce genre de situations confine à l'universel, un universel de temps et de lieu. Bravo donc. Ensuite, second point positif, en nous faisant quitter la Terre, Nolan ne nous la fait que mieux aimer. Cela dit je ne sais pas si c'était voulu. Mais c'est un fait, quand le long métrage s'achève, on se dit qu'on est bien, et même très bien sur notre bonne vieille planète, si belle et si riche, si fragile aussi. Puis, troisième qualité que j'ai décelée : une certaine émotion que je ne pensais jamais pouvoir trouver dans un film de Nolan. Matthew McConaughey n'est pas trop mal même si pas toujours crédible malgré son expressivité parfois un peu excessive. Et il parvient tout de même à nous transmettre quelques sentiments touchants, notamment au début et à la fin de son aventure, aidé en cela par plusieurs acteurs de seconds rôles plutôt convaincants. Enfin, la musique. Hans Zimmer s'est vraiment dépassé, pour créer quelque chose d'original et de prenant. Elle donne vraiment une autre dimension, une profondeur à l’œuvre de Nolan.

    Maintenant que j'ai passé en revue les qualités de ce long métrage, passons aux défauts, qui sans être trop pesants, sont bien réels. Tout d'abord, difficile de faire un long métrage sur l'espace après « 2001 : L'Odyssée de l'espace », surtout quand on prétend marcher sur ses plates bandes ésotérico-philosophiques, et ce en dépit des défauts eux aussi bien réels du film de Kubrick. Nolan ne tombe pas dans l'écueil des effets spéciaux en toc (je pense à la séquence d'introduction kitchissime et pompeuse dans le Kubrick) : un point pour lui. Par contre il recrée quelque peu la même atmosphère oppressante dans l'espace, sauf que chez lui les robots sont gentils (à noter quelques clins d’œils à l'humour ravageur). Et la valse des vaisseaux spatiaux reprend celle de « 2001 ». Un point pour Kubrick donc. La musique de Zimmer a beau être réussie, elle ressemble étrangement à la célèbre musique viennoise de « 2001 » par moments... Et difficile d'éclipser l'originale. Un point pour Kubrick. Heureusement les émotions que l'on éprouve face à « Interstellar » dépassent de loin l'inhumanité qui règne dans « 2001 ». Un point pour Nolan. On se retrouve ainsi à deux partout. Là où je veux en venir, c'est que « Interstellar » ne dépasse pas « 2001 », et ne peut donc pas prétendre au titre de chef-d’œuvre absolu de la science fiction (d'autant que « 2001 » ne mérite pas le nom de chef-d’œuvre à mon sens, bien que ce soit indéniablement un film marquant). Ce qui me gène aussi dans le long métrage de Nolan, c'est son scénario tellement bien huilé que les personnages restent en deux dimensions. Nolan humaniste ? Rien n'est moins vrai. N'est pas John Ford ou Frank Capra qui veut. Non, Nolan est un entertainer de grand talent, tout comme un Cameron ou un Ridley Scott, mais ça s'arrête là. Ses personnages n'ont aucune épaisseur, ils servent le scénario alors que chez les « grands », le scénario, avec toute sa profondeur, sert les personnages. Et puis ce côté chien savant, petit génie du scénario en poupée russe m'agace. Lorsque j'avais critiqué « Inception », j'avais déjà cité Will Self qui disait à son propos : « Un film qui, loin d'être intelligent, n'est que l'idée que se fait un imbécile d'un film intelligent ». Je n'irai pas jusque là avec « Interstellar », qui pose avec un certain aplomb (et un certain succès) la question du futur de l'humanité sur Terre. Il n'empêche que le goût de Nolan pour les intrigues excessivement tordues est exaspérant. Et finalement, on ne retrouve pas dans ce film le souffle des grands chefs-d’œuvres du Septième art. Quand « Interstellar » s'achève, on reste avec un certain goût amer dans la bouche, et pas avec l'enthousiasme que nous transmettent les grands films dignes de ce nom.

Conclusion : sans être un grand film, « Interstellar » est un bon long métrage de science-fiction. Une réussite donc, et là encore je ne pensais pas pouvoir dire un jour cela d'un film de Christopher Nolan. Mais ça reste une œuvre de science fiction qui ne transcende pas le genre, à l'inverse du Tarkovski de « Stalker » et de « Solaris ». En effet, chez Tarkoski, la science-fiction est un moyen et pas une fin, contrairement à Nolan. Un moyen pour dire toute la beauté et la richesse de la vie humaine. Une richesse que l'on ne retrouve pas chez Nolan. Il ne reste plus qu'à lui offrir un exemplaire de chacun de ces chefs-d’œuvre, pas seulement de la science fiction, mais aussi du cinéma, voire de l'art du XXème siècle.

[2/4]

samedi 21 mars 2015

« Tokyo Fiancée » de Stefan Liberski (2014)

    Je ne connais Amélie Nothomb que de nom et de réputation, et je serai donc bien en peine d'évaluer la fidélité de ce long métrage à l’œuvre d'origine (si tant est que ce soit une question pertinente). A première vue, il semble que le réalisateur ait tenu à s'en démarquer quelque peu, ne serait-ce que par le choix de son héroïne, qui ne ressemble pas beaucoup à l'auteure belge malgré quelques traits en commun. Ce choix me semble bienvenu tant Pauline Etienne joue à merveille l'ingénue et la fan du Japon, tout en donnant vie à son personnage avec entrain. La réalisation fait très fabriquée au premier abord, voire artificielle (interludes avec ralentis, voix-off, cadrages méticuleux), mais c'est tellement bien amené que ça en devient évident et plaisant. Pour tout dire, il y a beaucoup d'humour dans ce film, et c'est ce qui fait sa force première. C'est un condensé de fraicheur, malgré ses thématiques un peu mélancoliques : comment s'adapter à un pays si riche de coutumes et de traditions que le Japon quand on vient de l'autre côté du monde, voilà la question centrale de « Tokyo fiancée ». Beaucoup de séquences sont très drôles et assez anthologiques, jouant de ce ton aigre-doux particulier qui baigne tout le long métrage. En bref, acteurs, réalisateur, directeur de la photographie, compositeur, tous tiennent leur rôle avec talent et réussissent à faire de ce film un joli instantané mi-joyeux, mi-nostalgique des relations fascinées (et assez fantasmées) qu'entretiennent le Japon et la France. Une bonne surprise !

[3/4]

« Le Très-Bas » de Christian Bobin (1992)

    Cet ouvrage est probablement l'un des, sinon le chef-d’œuvre de Christian Bobin. A vrai dire, tout comme « Andrei Roublev » est un film à la fois historique, hagiographique et autobiographique pour Andreï Tarkovski, ce dernier mettant en scène un moine-peintre d'icônes dont la destinée et les préoccupations rejoignent les siennes, « Le Très-Bas » raconte l'histoire de François d'Assise, ce moine-poète au service des pauvres et amoureux de la nature, et l'on comprend aisément que c'est Bobin qui se dépeint à travers les traits du fondateur de l'un des principaux ordres mendiants. Condensé de poésie et de subtilité, ce livre renferme une vision enchanteresse du monde, une vision exaltée de la nature dans sa simplicité et sa beauté pure. Mais Bobin ne chante pas seulement les merveilles des bois et des bêtes, il chante avant tout et surtout l'amour d'une mère pour son fils, ou l'amitié féconde de deux êtres épris des autres : Claire et François. Ce qui fait toute la richesse de cet ouvrage, c'est non seulement l'emploi d'une langue magnifiée, finement ciselée, poétique et signifiante à souhait, mais aussi la réflexion sur l'essence de la vie que nous livre Christian Bobin. Nous ne sommes certainement pas tous destinés à vivre dans le dénuement le plus total. Mais Bobin fait bien de nous rappeler que toute vie n'est pleinement vécue que dans le don de soi. Un livre qui est appelé à devenir un classique de la langue française, sans aucun doute.

[4/4]

dimanche 1 mars 2015

« Le Château dans le ciel » (Tenkū no shiro Rapyuta) d'Hayao Miyazaki (1986)

    Après avoir vu tous les longs métrages d'Hayao Miyazaki, dont certains au moins deux fois, j'en arrive à la conclusion suivante. Deux films surnagent parmi cette douzaine d'authentiques chefs-d’œuvre : « Totoro »... et « Le Château dans le Ciel ». Parlons de ce dernier. A mon sens, il s'agit d'un film parfait. Parfait parce que sans défaut, mais surtout, parce que poétique au possible, merveilleux, entraînant, subtil, divertissant tout en conservant une grande profondeur. Ce n'est pas un long métrage aride, parfait car lisse, austère, non, il est parfait pour moi car je n'ai jamais vu mieux. Oui, c'est un film très sensuel. Et poétique, je me répète. J'en veux pour preuve cette magnifique séquence d'introduction : une petite fille tombe du ciel, lentement, doucement, pour arriver dans les bras d'un petit garçon, émerveillé et surpris à la fois. Et c'est là que tout commence. Mélange d'histoire d'amour et d'amitié, mais aussi de pure aventure, « Le Château dans le ciel » est peut-être avec « Totoro » le film le plus universel de Miyazaki. Les valeurs de l'entraide, du courage, de la curiosité, de la débrouillardise, et de l'amour, toujours, y sont exaltées. Et puis cette exubérance visuelle, cette inventivité permanente est extraordinaire. Tout semble possible pour Miyazaki. C'est bien lui qui est allé le plus loin dans le domaine de l'animation, car il est allé chercher ce qu'il y avait de meilleur dans son cœur de poète ainsi que ses yeux et ses mains de dessinateur : un conte pour enfants (et adultes n'ayant pas perdu leur âme d'enfant) intemporel. Avant, je n'attribuais pas la note suprême à ce film car j'avais toujours à l'esprit ce méchant assez manichéen. Et en fait non, peu importe. Le mal existe, il ne sert à rien de le masquer. L'important c'est que le bien triomphe. Que l'innocence vienne à bout de la noirceur qui peut régner dans ce monde. Que des enfants puissent sauver l'humanité, précisément car ce sont des enfants, au cœur pur. Et puis toute cette galerie de seconds rôles, est comme d'habitude chez Maître Miya, réjouissante : des pirates facétieux et maladroits, un vieillard esseulé, perdu dans une mine, un chef ouvrier grognon mais humain... Et comment ne pas évoquer la musique de Joe Hisaishi, qui comme toujours vient sublimer le tout, donner une dimension supplémentaire à un film déjà exceptionnellement riche par bien des aspects ? D'autant que n'ai pas parlé de tout ce mystère autour de Laputa, la fantastique île volante. Cette partie là aussi du long métrage est intrigante, mystérieuse et fascinante. En fait, et j'en reviens à ma conclusion : tout dans ce film est réussi. Tout. Et je crois que je pourrais le revoir des dizaines et des dizaines de fois en étant toujours aussi ému. Rares sont les œuvres dont je peux affirmer cela, tous arts confondus... « Le Château dans le ciel » en fait indéniablement partie.

[4/4]

« Vol de Nuit » d'Antoine de Saint-Exupéry (1931)

    « Vol de Nuit » est un roman extraordinaire. A partir de l'aviation, et plus précisément d'une nuit au temps capricieux, Saint-Exupéry nous dit tout de la vie. Certes, d'abord, de la vie des pilotes de l'Aéropostale, et de leurs proches, toujours dans l'appréhension d'un accident mortel. Mais aussi de la hiérarchie de cette organisation, faite de chefs courageux et rudes, de pilotes jeunes et téméraires, et de bureaucrates ratés. Et enfin de cette joie de voler dans les airs, de quitter la terre pour mieux la rejoindre le temps d'une escale brève mais salutaire, de frôler les nuages, de saluer les étoiles,... Ce sentiment de liberté qui étreint les pilotes, nous le ressentons intensément grâce au talent de conteur de Saint-Ex, qui sort sa plus belle plume pour rendre hommage à ses amis pionniers. La poésie est omniprésente dans cet ouvrage, notamment dans ces descriptions magnifiées du ciel et de la nature, belle mais farouche. Mais aussi dans la description de la psychologie et des sentiments des personnages. Le passage sur la femme du pilote est à tomber. Je n'ai rien lu d'aussi beau, sensuel et subtil à la fois. Les personnages sont toujours complexes chez Saint-Ex, car riches de contradictions, comme tout être humain qui se respecte. Ainsi en va-t-il de la figure tutélaire de Rivière, ce chef intraitable, prêt à sacrifier ses hommes pour sa cause, ou plutôt une cause qui les dépasse tous : aller au-delà de ses limites physiques et psychologiques pour servir l'humanité. Toutefois pas de doute, il aime ses hommes, et s'il est particulièrement sévère, c'est parce qu'il veut les préserver de l'erreur funeste. Car dans le ciel, le moindre écart peut signer la fin de l'équipage. Mais Saint-Ex ne nous dépeint pas un chef aride, suffisant : Rivière doute. Qu'est-ce qui vaut plus que la vie humaine ? Qu'est-ce qui vaut que l'on décolle la nuit pour arracher à la pesanteur le courrier, symbole de la vie d'un continent ? Pourquoi vivre, et pourquoi vivre ainsi ? Tant de questions qui restent (apparemment) sans réponse, mais dont Saint-Ex nous fournit, discrètement, des propositions merveilleuses : le courage et l'espérance ne sont pas vains. Et ça, c'est une certitude.

[4/4]
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